Transmediale 2k + 12: El festival de arte y cultura digital cumple 25 años
Transmediale. Festival destinado al arte desarrollado a partir del video, el ordenador y la cultura crítica de los medios. Un evento dedicado a la cultura digital que se mueve por áreas diversas, de magnitud tan flexible, que a veces cuesta definir exactamente lo que es. Originado en 1988 como una mezcla de Video-Film-Fest -que al principio tenía acento latinoamericano- al cobijo de la Berlinale y un colectivo de videoartistas, derivó a partir de 1997 hacia un festival multidisciplinar cimentado en arte, tecnología y cultura. Transmediale celebra ahora su 25º aniversario tomando como estímulo creativo la contradicción.
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(© Jens Kalaene, dpa/lbn)
El impacto social de la tecnología es insondable, influye en los artistas y en su imaginación incitándoles a experimentar con soportes viejos y nuevos. Transmediale intenta captar ese influjo. Esta edición parte del concepto “in/compatible” –tema de la muestra- para analizar proyectos y fenómenos culturales contraponiendo y analizando las facetas productivas y destructivas de la incompatibilidad a través de la interacción entre ambas, concibiéndola como una condición fundamental para la producción cultural en tiempos de crisis.
La tecnología permite simultanear presente y pasado e incluso insinuar el futuro. Esta gran muestra del arte digital avanzado que es Transmediale, sólo es posible en Berlín, gracias al flujo de artistas, al hecho de que en la capital alemana se valore la reflexión acerca de la tecnología y a que existan oportunidades de mostrar, compartir y enseñar, hasta procurar un intercambio de conocimientos rico y estimulante
Arte, tecnología y sociedad
Con la intención de dar nuevos bríos respetando su viejo legado, Trasmediale estrena director. Kristoffer Gansing (Suecia, 1976), arqueólogo de los medios, cuya labor anti-olvido es innegable. Creador del festival The art of Overhead (basado en experimentos analógicos-digitales con proyectores), comisario, profesor e investigador conectado a los proyectos audiovisuales y a la performance, el aspecto de Gansing es el de un niño bueno recién salido del internado, entre pijo y nerd -aunque sin gafas de pasta-, de pelo lacio, cara lampiña y manos inquietas, mientras explica a la concurrencia el contenido de un festival que contará con una inversión anual de 450 mil euros procedentes de la Kulturstiftung des Bundes garantizados hasta 2017.
Desde “Zitty” –la biblia quincenal de la cultura berlinesa- le critican su juventud, su marcado academicismo y el querer adoptar, por tanto, una postura con evidente acento teórico para el formato clásico de Trasmediale, que sigue siendo más o menos el mismo, pero con el sabor y el gusto de su nuevo director. No obstante, aunque hace hincapié en lo muy académico, no anula por completo el formato clásico de conferencia estándar de evento.
Los subprogramas del programa
El concepto “in/compatible” se desarrolla a través de una exposición (Dark Drives. Uneasy Energies in Technological Times, comisariada por Jacob Lillemose), un programa de vídeos (Satellite Stories, curado por Marcel Schwierin), un calendario de performances (The Ghost in the Machine, comisariado por Sandra Naumann), un simposio (In/compatible: systems / publics / aesthetichs) y una serie de eventos especiales bajo el título reSource for transmedial culture (con 5 subtemas), una nueva iniciativa introducida por Gansing, curada por Tatiana Bazzichelli y desarrollada en colaboración con Club Transmediale (CTM), Akademie der Künste (UdK) y Kunstraum Kreuzberg/Bethanien.
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(© Paco Arteaga.Kristoffer Gansing )
Esta novedad supone una interfaz entre la producción cultural de los festivales artísticos y las redes de colaboración en los ámbitos del arte, la tecnología, el activismo y la política de la ciudad. A través de la concesión de becas, reSource quiere promover durante todo el año el trabajo creativo de talleres, investigaciones y producciones. La segunda primicia es la introducción del premio Vilém Flusser Theory-Award que galardona trabajos de investigación artísticos en forma de becas de 3 meses.
La dimensión conmemorativa del evento supone, de alguna manera, la presencia del pasado en el presente. “En cada intervención del programa hay implícita una reflexión histórica relativa a los 25 años de Transmediale. Cada vídeo de Satellite Stories es presentado por un vídeo de ediciones anteriores de Transmediale, estableciéndose así un diálogo entre ambos”, explica Gansing en rueda de prensa el 30 de enero en la apertura del festival. Una especie de homenaje a la historia de la técnica, que aunque no es la intención del festival, subraya el carácter nostálgico hacia la vieja tecnología.
Conexión viejo-nuevo
La incompatibilidad surge cuando las cosas no funcionan a la hora de trabajar juntas. En el contexto de crisis global, ya sea ésta política, financiera, tecnológica o medioambiental, parece que la incompatibilidad estuviera en todas partes. E irónicamente son los medios tecnológicos –supuestamente, los más compatibles- quienes nos la muestran. Sin embargo, la técnica, con sus avances, se adelanta cada día a su propia incompatibilidad.
Los ordenadores se averían o son infectados por virus, los aparatos nuevos no combinan bien con los antiguos, las informaciones son robadas, etc. Lo que Gansing propone es aprender de esta imperfección de la técnica. Para ello se vale de vídeos, exhibiciones, conferencias, performances, y talleres en la sede matriz del evento: Haus der Kulturen der Welt. Los participantes en esta edición de Transmediale, discutirán el trastorno o la disfunción tanto como principio de la sociedad, como forma de control. Entre sus invitados se encuentras científicos, hackers, artistas, nerds, activistas o meros aficionados a los ordenadores.
Otro –si no el mayor- de los grandes atractivos de Transmediale, es su vertiente musical: el Club Transmediale (CTM). En su 13ª edición aborda el tema “Spectral” para explorar el resurgimiento de lo sombrío, lo misterioso, la oscuridad en la música experimental, el avant-pop y el arte, a través de conciertos, discursos y programa expositivo. Sin embargo, CAI ha preferido dar relevancia a 3 artistas españoles presentes en la facción convencional del festival. Ésta es la interpretación del tema “in/compatibilidad” que Aura Satz, Servando Barreiro y Daniel G. Andújar muestran en Transmediale. Hablamos con ellos.
Aura Satz - Atomamusic
El tema de Trasmediale 2012 conecta con la arqueología mediática y la obsolescencia tecnológica. “Estos temas son importantísimos en mi trabajo. En él utilizo vídeo, sonido, instalación y performance”. Muchas de las obras de Aura Satz (Barcelona, 1974) suelen combinar tecnología moderna prestando atención a la materialidad de lo obsoleto. Filmado en un museo de autómatas musicales en Seewen (Suiza), el trabajo que Aura Satz presenta en Transmediale/Satellite Stories, “Automamusic” (2008), fija la atención en la prehistoria de la reproducción musical, en concreto, antes de la invención del fonógrafo y paralelamente a este acontecimiento.
El vídeo analiza el movimiento de estos autómatas de música mecánica. Máquinas absurdas de complejidad asombrosa animadas por elementos neumáticos y mecánicos que parecen esqueléticos y que curiosamente mantienen una analogía escultórea y coreográfica con el cuerpo humano. “La más popular sería la pianola, pero en realidad hay muchas más que reproducen música usando varios instrumentos. Por ejemplo, los orquestriones, que pueden contener percusión, e instrumentos de cuerda, además de un teclado de piano. Mi favorito es el Hupfeld Phonoliszt-Violina, que sobre el mecanismo de la pianola tiene tres violines y el arco es una especie de hula hoop en movimiento”.
Inspirado en las correlaciones de estas tecnologías con las manifestaciones de espiritualismo trasladado a los instrumentos musicales (donde una guitarra flota o un acordeón toca de manera autónoma encerrado en una jaula), el film se aproxima a las entrañas de las máquinas con la intención de encontrar su alma para luego exponerla. “Tiene algo fascinante, algo ridículo y casi gracioso, y al mismo tiempo inquietante”. Es la primera intervención de Aura en Berlín.
Servando Barreiro – Weise 7
Es la tercera vez que Servando participa en Transmediale. En esta ocasión lo hace como parte del colectivo Weise 7, formado por 6 artistas internacionales afincados en Berlín, incluido en la programación concebida como pre-festival. Consciente de que el arte electrónico ya es bastante incompatible en sí mismo, Servando lo considera in/compatible con el arte tradicional, ya sea en la manera en que es expuesto, el formato o el modelo comercial. “Por otra parte, el público que consume arte electrónico es totalmente diferente del público consumidor de arte tradicional, ya sea contemporáneo o no”, cuenta a CAI. Su trabajo de los últimos 2 años, basado en instalaciones creadas a partir de ordenadores, software, webcams y sensores tiene un alto componente interactivo. “Definitivamente, la interactividad es un plus”.
En la obra que presenta Servando, la incompatibilidad aparece en varios aspectos. Basada en el reciclaje de un tocadiscos defectuoso y obsoleto de los 60, esta pieza abarca temas como el reciclaje tratando de compatibilizar lo incompatible. También encontramos la dualidad tradición-modernidad al conectar el tocadiscos a un ordenador que representa el avance tecnológico alcanzado 50 años después de la creación del tocadiscos. Con esta conexión se crea una especie de controlador que no está exento de errores debido a esta combinación de tecnologías. “Afortunadamente, dado el tema de Transmediale este año, estos errores de lectura del sistema van a jugar en mi favor y en lugar de ocultarlos, voy a tratar de integrar y dar visibilidad a estos errores en la pieza”.
Este tocadiscos modificado lee discos perforados, todo un homenaje a las tarjetas perforadas de los antiguos ordenadores que sentaron las bases de la informática actual. “No es solo un homenaje a los ya casi obsoletos soportes físicos. También realza el contraste tecnológico entre lo antiguo y lo nuevo”. Al lado de este tocadiscos se sitúa una pantalla. Según el disco que la gente coloque en él, se visualizarán unos contenidos u otros. “El tocadiscos puede funcionar en modo autónomo, girando por sí mismo o también en modo interactivo. Lo cual significa que a la gente le está permitido hacer scratch con estos discos y saltar de unos contenidos a otros a su voluntad”.
CAI: “Sin audiencia no hay contenido”. Muchas veces, el espectador pasa a convertirse en parte de tu obra, o incluso podría decirse que sin espectador no hay obra. ¿Por qué estableces esta relación de interdependencia?
Servando Barreiro: Para mí, llegar a ese punto de dependencia o "conexión" (este término lo representa mejor) es un gran paso adelante. Por un lado, queda claro que una instalación interactiva puede ser (muy) conceptual y va más allá de lo estético o de lo técnico. Como dato curioso, con mis compañeros de estudio, pese a que todos trabajamos con “codigo” ordenadores, tecnología y cables, entre nosotros hablamos muchísimo mas de percepción que de otras cosas. Parte de lo que reivindico es que la tecnología puede estar de lado y llegar a ser "invisible", pero sin olvidarse de que lo que te ha hecho pasar un buen rato o lo que te ha hecho reflexionar sobre algo (hablando de la instalación) es sólo posible gracias a la tecnología.
Daniel G. Andújar - Technologies To The People
El artista visual y multimedia -de marcada proyección internacional- Daniel G. Andújar (Alicante, 1966), es además un conocido intelectual y activista de la red. Su trabajo artístico iniciado a finales de los 80 en el campo del vídeo, gira en torno a los mecanismos de control y las desigualdades sociales.
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(© Jens Kalaene, dpa/lbn)
Andújar explora los conceptos de virtualidad, autenticidad, copyright, estrategias de marketing, la relación entre los medios de comunicación y el poder, así como el acceso global a las redes tecnológicas de la comunicación. Miembro de Irational.org, referente internacional del net.art, y fundador en 1996 del Technologies To The People (TTTP), sus proyectos han sido expuestos en museos e instituciones de medio mundo, incluyendo eventos como la Bienal de Venecia y Manifesta.
Ya participó en Transmediale 2001, ocasión en la que obtuvo un premio por su proyecto Phoney™, un software farsante diseñado como herramienta de guerra moderna y electrónica. Esta vez ha sido invitado a intervenir en la exposición Dark Drives. Uneasy Energies in technological Times.
Aquí presenta una nueva adaptación del proyecto “Armed Citizen” que realizó en 1998 y revisó más tarde en 2006. Una animación de armas de fuego que se pueden comprar en internet, como cualquier otro producto. “Las imágenes no dan ninguna información acerca de las armas, el tipo, el precio, o dónde se pueden comprar, simplemente se presentan una tras otra como objeto de deseo a disposición de la nueva economía de la digitalización de las transacciones en red”, explica a CAI Daniel G. Andújar.
CAI: Podría decirse, por los temas que tratas en tu trabajo creativo/proyectos (el arte e imaginería en la red, Technologies To The People, la crítica/sátira constante a las tecnologías de la comunicación e internet), que realmente y especialmente en estos momentos enlaza muy bien con la actualidad informativa relativa a la represión de internet llevada a cabo en EE.UU (leyes SOPA/PIPA, affair Megaupload, piratería, etc). ¿Qué supone para tus proyectos o cómo afectarán estos acontecimientos en tu trayectoria creativa a partir de ahora?
Daniel G. Andújar: Está claro, desde mitad de los noventa, que aquellas posibilidades de la red, aquella utopía sobre la nueva sociedad informacional, no era más que un nuevo campo de batalla por el control y el uso de la información y el conocimiento. La práctica artística también debe transformarse, convertirse en una muestra de “resistencia” a un modelo que pretende mantenerse con obstinación en un espacio de relaciones cada vez más jerarquizado, difuso, globalizado, estandarizado.
El Arte tiene ahí una función también política que necesita de posicionamientos éticos claros. El Arte, como cualquier otro proceso cultural, es básicamente un proceso de transmisión, de transferencia, de diálogo continuo, permanente y necesario... pero no lo olvidemos, también es trasgresión, ruptura, ironía, parodia, apropiación, usurpación, confrontación, investigación, exploración, interrogación, contestación. Busquemos pues el contexto idóneo que permita desarrollar esta idea en condiciones más óptimas. Y si no existe, tendremos que crearlo.
CAI: El tema de esta edición de Transmediale es “In/compatible”. ¿Cómo conecta ese tema con tu producción artística actual?
DGA: Es uno de los temas transversales de cualquier actividad contemporánea. Estamos asistiendo a procesos de cambio estructural, de transformación fundamental que está moldeando irremediablemente la acción social, la experiencia humana e influyendo —como no podía ser de otra manera— en el proceso de trabajo de artistas individuales y colectivos.
Nos preguntamos si estamos preparados para estos cambios y cómo afrontar la nueva era postcapitalista en un nuevo contexto informacional. No disponemos o no nos proporcionan instrumentos útiles para convertir todo ese contexto informacional, saturado, ese ruido: datos, documentos, información, en conocimiento específico. Las herramientas, políticas, cultura, economía, formación y educación a nuestra disposición parecen incompatibles para afrontar estas transformaciones.
Transmediale 2012
30 de enero - 5 de Febrero
Haus der Kulturen der Welt
John-Foster-Dulles-Allee 10, 10557 Berlin
Club Transmediale 2012
www.ctm-festival.de/ctm-festival/ctm12
Paco Arteaga Tacoronte, en exclusiva para CAI, a 1 de febrero de 2012.
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